El subcontinente indio ha producido numerosos artistas de renombre internacional, muchos de los cuales están buscando millones en una subasta en todo el mundo. Algunos de los artistas más exitosos e innovadores de la India son mujeres, y sus variadas prácticas exploran una amplia gama de temas, desde la identidad y la memoria hasta la política, la historia y la cultura contemporánea. Te traemos diez de las artistas indias contemporáneas más famosas.
Shilpa Gupta
Al examinar una variedad de temas, desde la cultura del consumidor hasta el deseo, la seguridad, la religión, el nacionalismo y los derechos humanos, las prácticas interdisciplinarias de Shilpa Gupta utilizan video interactivo, fotografía, instalación y performance, a menudo confiando en la participación de la audiencia. Funcionando como un videojuego interactivo, su serie de proyecciones de video titulada Shadow (1, 2 y 3) incorpora las sombras simuladas de los espectadores, capturadas por una cámara en vivo. Las sombras se proyectan en la pantalla blanca e interactúan con otras sombras creadas por objetos, muñecas, casas, pájaros y otras figuras que bailan, saltan y caminan. Gupta es uno entre una generación joven de artistas indios cuyo trabajo responde a las divisiones sociales poscoloniales del país. A menudo difumina, vuelve a dibujar y borra los límites geopolíticos, como en 100 mapas dibujados a mano de la India (2007-2008), compuestos de mapas dibujados a mano por los espectadores de memoria, o su trabajo sin título que representa a una policía amarilla cinta de lectura, "No hay frontera aquí".
Bharti Kher
El bindi adhesivo ya hecho, una decoración tradicional de la frente de la India, es fundamental para la práctica de Bharti Kher e invita a significados ambivalentes, oscilando entre la tradición y la modernidad. Kher prospera en la creación de arte que represente interpretaciones erróneas, conceptos erróneos, conflictos, multiplicidad y contradicciones, explorando el drama humano y la vida contemporánea. La bindi aparece en sus pinturas, así como en sus instalaciones escultóricas, desafiando el papel de la mujer en un país tradicional y haciendo referencia a su significado espiritual tradicional del "tercer ojo". Su récord The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006) muestra a un elefante de fibra de vidrio muerto o moribundo cubierto de brillantes bindis. Su trabajo se relaciona aún más con cuentos alegóricos, criaturas fantásticas, bestias mágicas y monstruos místicos, como se ve en otras piezas basadas en animales, como delitos menores. An Ausence of an Assignable Cause (2007) es una réplica a tamaño real del corazón de una ballena azul, basada en la imaginación del artista, enfatiza la idea romántica de un 'gran corazón' y los misterios que unen el corazón a los conceptos de amor, vida y muerte.
Bharti Kher - Una ausencia de causa asignable © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Con el papel como su medio principal y un vocabulario mínimo rico en asociaciones, Zarina Hashmi crea obras abstractas que resuenan con sus experiencias de vida de exilio y desposeimiento y el concepto de hogar, ya sea personal, geográfico, nacional, espiritual o familiar. Su obra contemplativa y poética incluye grabados en madera, grabados, dibujos y moldes hechos de pulpa de papel. Sus líneas artesanales y caligráficas constituyen un elemento unificador en sus composiciones. El lenguaje es fundamental para el artista. Letters from Home (2004) muestra una serie de impresiones basadas en cartas de su hermana Rani, que vive en Pakistán. En una entrevista en video de Tate, Zarina relata cómo recibir esas cartas la ayudó a preservar un sentido de identidad. El urdu escrito a mano se superpone con mapas y planos de hogares y lugares distantes, con las sombras de momentos e impresiones importantes de lugares relevantes para la vida de su familia.
Nalini Malani
El concepto del límite trascendido está en el corazón de la práctica de Nalini Malani, que se basa en la literatura, la mitología, la historia y la vida personal para crear arte con relevancia en todas las culturas. Desde dibujos hasta pinturas, animación proyectada, juegos de sombras, videos y películas, el artista yuxtapone la tradición con elementos modernistas para abordar cuestiones urgentes relacionadas con la sociedad contemporánea. Su familia se vio afectada por la partición de 1947, un tema que Malani aprecia, como se ve en Remembering Toba Tek Singh (1998), un video inspirado en la historia corta de Sadat Hasan Manto del mismo título. Malani usa el simbolismo de la muerte de Bishen Singh, un paciente mental que, al negarse a mudarse a la India durante la Partición, muere en tierra de nadie entre las dos fronteras. Malani, entonces, está explorando los efectos de Partition en la vida de las personas y extiende esta exploración al efecto de las pruebas nucleares en Pokhran, Rajasthan. El interés de Malani en Cassandra radica en su creencia de que cada uno de nosotros tiene ideas e instintos. Su exposición de 2014 titulada Cassandra's Gift en Vadehra Art Gallery se centró en la posibilidad de que la humanidad prevea los eventos del futuro y realmente 'escuche' lo que sucede a su alrededor.
Rina Banerjee
El amor por la sustancia, la tela y la textura, junto con la experiencia de vivir en comunidades de ubicaciones culturales / raciales mixtas, constituyen la base de las obras poéticas multimedia de Rina Banerjee. Ella define su obra como una exploración de "momentos coloniales específicos que reinventan el lugar y la identidad como experiencias diaspóricas complejas entrelazadas y a veces surrealistas". Banerjee crea conjuntos coloridos de textiles, artículos de moda, objetos coloniales, muebles, taxidermia y materiales orgánicos, procedentes de las tiendas de chatarra de Nueva York y reconfigurados en objetos imbuidos de un nuevo significado. Materiales inusuales incluyen caimanes taxidermidos, catres de madera, huesos de pescado, huevos de avestruz, plumas y muebles antiguos. Si bien la hibridación de sus obras es un reflejo de su fondo cosmopolita, el lenguaje visual que crea tiene sus raíces en la mitología y los cuentos de hadas. Llévame, llévame.. to the Palace of Love (2003) es una instalación que se mostró en el Musée Guimet de París en 2011. Articulando un discurso sobre sus orígenes y la visión orientalista occidental del este, comprendía un pabellón de plástico rosa hecho en forma de el Taj Mahal para evocar una vista de la India a través de lentes de color rosa, característicos de la presencia colonial británica en la India, con un conjunto central de materiales "exóticos".
Dayanita Singh
Al crear narraciones curiosas de la vida cotidiana a través del medio fotográfico, Dayanita Singh da expresión visual a un paisaje que yuxtapone la imaginación del artista con el mundo real. Sus fotografías en blanco y negro se presentan en una instalación titulada Museo, así como en su medio favorito: el libro. El papel tiene un significado particular para Singh. El artista retrata a todos, desde la clase alta hasta los márgenes de la sociedad, dando una visión gran angular de la India contemporánea. Mona Ahmed es una figura recurrente en su trabajo; desde su primer encuentro en 1989 en una comisión para el London Times: un eunuco que vive en un cementerio en la Vieja Delhi, un paria doble rechazado por su familia y por la comunidad eunuco. La descripción de Singh de Mona es una exploración de aquellos con identidades fragmentadas y falta de sentido de pertenencia, que es el tema del libro Myself Mona Ahmed. Singh House of Love desdibuja la línea entre el libro de fotografía y la ficción literaria, con imágenes acompañadas de poesía y prosa que narran nueve cuentos. Los 'museos' portátiles, como el File Museum (2013) o el Museum of Chance (2014), son grandes estructuras de madera que se pueden organizar en diferentes configuraciones, con una capacidad de entre 70 y 140 fotografías. Esta 'arquitectura fotográfica', como la llama Singh, le permite mostrar, editar y archivar imágenes sin cesar.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat a menudo incorpora más de un medio en una sola obra de arte. La obra de Kallat se relaciona con los ciclos interminables de la naturaleza y la fragilidad de la condición humana, reflejando los constantes cambios entre el nacimiento, la muerte y el renacimiento; construcción y colapso, derrota y resurgimiento. Con frecuencia trabaja con nombres registrados o registrados oficialmente, de personas, objetos o monumentos que se han perdido o han desaparecido sin dejar rastro. Un motivo recurrente en su práctica es el sello de goma, un símbolo de control y del aparato burocrático, un "estado sin rostro" que oscurece y confirma las identidades. Kallat ha estado usando sellos de goma desde 2003, invirtiendo sus obras con ironía. En Falling Fables, usó sellos con las direcciones de los monumentos perdidos protegidos por el Estudio Arqueológico de la India, creando formas de ruinas arquitectónicas, llamando la atención sobre el estado de colapso y fractura de la memoria colectiva que ocurre hoy en India y en todo el mundo. En 2013, creó Untitled (Cobweb / Crossings), una telaraña en la fachada del Museo Bhau Daji Lad en Mumbai. Su creación consistió en una tonelada de sellos de goma con los antiguos nombres de las calles que rodean el museo y destacando historias perdidas. Kallat ha utilizado previamente el motivo de la web para abordar problemas de migración y aquellos que lo controlan. En 'Sin título (Mapa / Dibujo)', un intrincado mapa del mundo hecho con cables y accesorios eléctricos traza las rutas migratorias a menudo ocultas de los trabajadores.
[K] Reena Saini Kallat - Sin título (2008) - Detalle © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
A través de la fotografía y la instalación escultórica, Hema Upadhyay se involucra con las nociones de identidad personal, pertenencia, dislocación, nostalgia y género, reflexionando sobre el estado contemporáneo de Mumbai, una metrópoli con su multiculturalismo resultante de los movimientos migratorios. Un trabajo autobiográfico recurrente incluye fotos de sí misma, como si estuviera buscando su propio lugar dentro de la ciudad, a la que se vio obligada a emigrar con su familia durante la Partición. En su primera exposición individual, Sweet Sweat Memories (2001), presentó obras que hablaban de sentimientos de alienación y pérdida. La serie presentaba fotografías en miniatura de sí misma pegadas en pinturas que representaban perspectivas aéreas y subalternas de Mumbai como una nueva ciudad abrumadora.
Sheela Gowda
Incorporando escultura, arte de instalación y fotografía que muestra la India urbana y rural, Sheela Gowda crea obras con materiales cotidianos, incluidos objetos encontrados y reciclados y materiales como estiércol de vaca, kumkum rojo (cúrcuma), incienso, cabello humano, pan de oro, tintes ceremoniales. y materiales domésticos como fibras de coco, agujas, hilos y cuerdas. La práctica de Gowda se basa en gran medida en su proceso, que borra los límites entre el arte y la artesanía, y cuestiona el papel de la subjetividad femenina en el contexto de la religión, el nacionalismo y la violencia que constituye la India contemporánea. Y Tell Him of My Pain (2001) empleó más de 100 metros de hilo enrollado teñido con kumkum rojo, suspendido y cubierto por el espacio para formar un dibujo tridimensional. El trabajo hizo referencia a la cultura de las especias de la India y la industria textil, tradicionalmente parte de la experiencia vivida por una mujer, para resaltar el dolor de la vida doméstica femenina en una sociedad patriarcal.
