Mientras que Occidente ha comenzado a reconocer la habilidad artística que proviene de África, muchos estereotipos persistentes creados por la colonia continúan enmarcando a África como histórica y exótica, lo que es especialmente perjudicial para la mujer africana. Hoy, muchas artistas africanas que han vivido y trabajado en la Diáspora desafían estas percepciones ficticias y opresivas de sus diversos países africanos y sus cuerpos a través de su arte. Aquí hay cinco artistas femeninas de la diáspora sobre las que definitivamente deberías saber más.
Wangechi Mutu - Histología de las diferentes clases de tumores uterinos (2004) © Playing Future / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu nació en Nairobi, Kenia, y pasó su carrera universitaria en Gales en Cooper Union, antes de emigrar a los Estados Unidos, donde obtuvo su MFA de Yale. Hoy vive y trabaja en Nueva York. Desde muy joven, Mutu estuvo expuesto a cómo el mundo occidental simplificó en exceso a Kenia para ser una parte sin nombre del África más grande, compuesta por Safari y 'tribus' tradicionales. Ella aborda este y otros problemas poscoloniales en su trabajo, siendo sus fotomontajes los más conocidos. Combinan tinta, acrílico y, a veces, brillo y perlas, con imágenes recortadas de revistas de viajes, pornografía, revistas de automóviles y anuncios para formar nuevas figuras humanas. Las imágenes finales, como las de Misguided Little Unforgivable Hierarchies (2005) y The Bride Who Married the Camel (2009), son brillantes e intensas, hermosas pero también inquietantes. Las imágenes originales tienen contextos individuales y evocan connotaciones distintas. Sin embargo, cuando se les une Mutu, llegan a representar el legado colonial de cómo Occidente percibe al continente africano como "primitivo", así como su objetivación hipersexual del cuerpo femenino africano. La belleza y la rareza atraen al espectador, mientras que los detalles, mujeres compuestas de cabezas de animales, diagramas de cuello uterino, motocicletas y los torsos expuestos de un modelo de playboy, desafían e interrumpen la imaginación occidental que exotiza y objetiva la cultura y el cuerpo africanos.
Pintura mixta - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer nació en El Cairo y recibió su maestría en pintura de Villa Arson EPIAR en 1989. Aunque Amer se describe principalmente como pintora, su trabajo abarca y combina múltiples medios. En particular, ella usa bordados y jardinería, trabajo que generalmente se clasifica como doméstico y femenino y, a menudo, se considera pasatiempos en lugar de arte. Al fusionar el medio aceptado de pintura de bellas artes con estas 'actividades femeninas' junto con sus representaciones a menudo eróticas del cuerpo femenino, Amer desafía las nociones de lo femenino frente a lo masculino, del deseo y el amor. Ella cuestiona las expectativas sociales de la figura pura y virginal que choca con la objetivación y sexualización del cuerpo femenino. En obras como And the Beast (2004) y Knotty but Nice, cuestiona la relación de moralidad y condena del cuerpo de la mujer. En And the Beast (2004), Amer representa la figura abnegada de Bell y otras princesas de Disney masturbándose, utilizando acrílicos y bordados sobre lienzo, lo que exige la liberación de figuras que anteriormente se sostenían por su comportamiento moral expresado en su amor por un hombre - ausente de deseo sexual. Ella los hace más humanos, dándoles a las niñas modelos a seguir más saludables.
Instalación de Ato Malinda © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda es una artista de performance que creció en los Países Bajos, los Estados Unidos y Kenia. Aunque creció lejos de su país, muchas de sus actuaciones funcionan dentro de un contexto keniano o africano más amplio. Muchas de sus piezas analizan la política poscolonial dentro del país, como Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014), que reacciona a la ilegalización de la homosexualidad en Kenia. En la actuación, Malinda está dentro de un cubículo negro en el que solo puede ingresar un espectador a la vez, donde confía en las historias recopiladas del extraño en Nairobi. La intimidad preserva la privacidad de las voces anónimas al tiempo que permite la discusión de aquellos que a menudo son silenciados por la fuerza. Gran parte de otro trabajo se centra también en la rareza africana, como su actuación, Mourning a Living Man (2013), que es específica de su hogar infantil disfuncional, pero también habla sobre temas más amplios de performatividad de género y abuso sexual a través del uso del color, lenguaje y actividades domésticas perversas. En ambas piezas, ella destaca las voces locales del feminismo y la comunidad LGBTQ, brindando una plataforma para estas historias que se ven ensombrecidas por el feminismo blanco de Occidente. La forma en que la audiencia a menudo se ve obligada a interactuar con el artista y el espacio de la actuación conecta físicamente a la audiencia con las experiencias humanas que se representan.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Campamento Sokari Douglas
Sokari Douglas Camp es una prolífica escultora nigeriana de Buguma que estudió en el Colegio de Artes y Oficios de California en Oakland, la Escuela Central de Arte y Diseño, y en el Royal College of Art de Londres, donde actualmente reside. Sus esculturas a menudo representan Kalabari (la ciudad de donde proviene Douglas Camp), mascaradas, espíritus o sacerdotisas. Hecho de acero y otros materiales encontrados como latas, cuerdas y plumas, se conecta y representa sus raíces en estas figuras. Exhibiendo ante una audiencia internacional, las esculturas de Douglas Camp trabajan para recontexualizar el papel sagrado de las máscaras involucradas en la mascarada, que a menudo se muestran aisladas en museos. Sus obras hablan específicamente a Nigeria y al Kalabari también. Como mujer, no se le permite hacer la mascarada ya que ese es estrictamente el papel del hombre en la sociedad. Al elaborar estas formas de actuación, Douglas Camp se involucra en la mascarada en un nivel que se le niega a ella y a otras mujeres. Además, la soldadura es típicamente la posición de un artesano masculino. En un sentido dual, entonces, ella ha desafiado continuamente los límites de género impuestos por la tradición. En una escala nacional más grande, Douglas Camp abordó el asesinato de Ken Saro-Wiwa por el gobierno nigeriano. Activista no violenta contra la Royal Dutch Shell Company y la falta de regulaciones ambientales del gobierno, Douglas Camp vio su muerte como una desgracia nacional, y eligió representarla en su trabajo Alagba in Limbo (1998), que representa la mascarada de Alagba. vergonzosamente llevados por dos hombres cuyos rostros expresan agonía.
Fotografía de Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
