A veces es más fácil decir una mentira que decir la verdad. Quizás esto es lo que pensó el joven armenio Vostanik Manoug Adoian cuando llegó a los Estados Unidos en 1920. Cambió rápidamente su nombre a 'Arshile Gorky', declaró que era un noble ruso que había estudiado arte en Francia con Wassily Kandinsky, y afirmó Era primo del autor ruso Maxim Gorky.
Arshile Gorky © Von Urban / Wikicommons
La identidad de Arshile Gorky lo perseguiría e inspiraría hasta su trágico suicidio en 1948. A principios del siglo XX, los otomanos comenzaron una campaña de limpieza étnica, persiguiendo a la comunidad armenia en lo que luego se conocería como el Genocidio Armenio. Gorki y su familia se vieron obligados a huir a Rusia y luego a los Estados Unidos por seguridad. La fuga fue especialmente difícil para Gorki, quien presenció la muerte de su madre poco después de que la familia llegara a Rusia. Cuando finalmente llegó a los Estados Unidos, Gorky fabricó una historia tan grandiosa que pronto enseñó arte en Nueva York, abriéndose paso en círculos en la cúspide de un nuevo movimiento artístico. Aunque estaba ansioso por ocultar su pasado, fue solo al profundizar en su historia subconsciente y personal que fue capaz de convertirse en uno de los artistas más influyentes de Estados Unidos.
Gorki era un dibujante talentoso con una habilidad genial para emular la obra de arte de otros artistas; Copió las obras de Cézanne y Picasso, dominando sus técnicas y estilos. Aunque tiene mucho talento, su trabajo fue eclipsado por la fuerte influencia de los mismos artistas que admiraba, y no fue hasta que se familiarizó con los surrealistas que comenzó a encontrar su propio vocabulario de estilo y expresión. Los conceptos surrealistas de inconsciente e improvisación ayudaron a Gorky a desenmascararse, ya que comenzó a revelar los eventos traumáticos en su vida a través de su trabajo. En Artist and His Mother (ca 1926-1930), Gorki pasa de un trabajo más superficial a un tema muy personal e íntimo. La pintura, basada en una fotografía de Gorki y su madre, muestra dos figuras mirando al espectador. Las expresiones en las dos caras son deslumbrantes; Los orgullosos ojos de la madre son fuertes y redentores. En una desviación de la fotografía, Gorki decidió pintar el delantal de su madre, de un blanco prístino, convirtiéndola en una figura sagrada angelical y pura. Mientras su rostro está enfocado, sus manos y la parte inferior de su delantal se funden en la pintura; Las pinceladas gruesas transforman a su madre en un recuerdo, un momento breve e inmaterial. Las chaquetas oscuras y los suéteres que usan en la fotografía se reemplazan con naranja y marrón, lo que le da movimiento al niño y resalta la planitud de la madre y su presencia sin vida.
Arshile Gorky - Combate enigmático © AllieCaulfield / Flickr
En 1944, Gorki conoció al teórico y poeta surrealista André Breton; La nueva relación entusiasmó a Gorky, que admiraba a los surrealistas y la escuela europea. Breton quedó impresionado por el trabajo de Gorky, especialmente The Liver is the Cock's Comb, al que llamó "la imagen más importante hecha en Estados Unidos". Gorky también había sido impulsado por otro artista surrealista contemporáneo, Roberto Matta, a diluir su pintura y permitir que sus obras sean producto de la espontaneidad, reflejando una creencia surrealista. Consecuentemente, el trabajo de Gorki se hizo más fluido. Las formas eran orgánicas, y su inspiración se volvió hacia la naturaleza, mientras estudiaba los campos, las plantas y los animales en su casa de campo en Connecticut. El trabajo de Gorki también se volvió profundamente personal; Las abstracciones líricas de su infancia y otros retratos oscuros y abstractos reflejaban las dificultades de su vida. La agonía, pintada un año antes de que Gorki se ahorcara, es un lienzo de pura devastación. Rojo oscuro y varios tonos de marrón y amarillo ligeramente esbozado, formas en forma de lengua representan un fuego que se apodera del lienzo. En ese momento, el estudio de Gorky había sido destruido en un incendio, y perdió gran parte de su trabajo, que finalmente se convirtió en un reflejo de quién era realmente: ligero y nostálgico a veces, a la vez que oscuro y trágico.
Un año, el algodoncillo, 1944, óleo sobre lienzo - Arshile Gorky © Cliff / Flickr
Las obras de Gorky pasaron de corrientes de conciencia surrealistas como sueños a abstracciones llenas de formas fluidas, formas irregulares, contornos audaces y objetos intangibles, en los que, por ejemplo, una fruta o un pez se vuelven reconocibles antes de perder su identidad y convertirse en otra cosa. El estímulo de Breton ayudó a Gorky a forjar un nuevo camino, influenciado por los surrealistas; a pesar de esto, el trabajo de Gorki era irrevocablemente parte de la escuela estadounidense. El espíritu de automatismo de los surrealistas estaba en desacuerdo con el estilo calculador y preciso de Gorki. Su personalidad impulsada, profesionalismo y referencias lo compararon con los expresionistas abstractos estadounidenses, como Pollack y De Kooning, y permitieron que el trabajo de Gorky fuera más allá de lo que estaban haciendo los surrealistas. A través del surrealismo, Gorky encontró el lenguaje que necesitaba para crear su propio estilo distintivo: una unión entre la emoción y la abstracción. A pesar del trágico final de su prometedora carrera, Gorki dejó un cuerpo de trabajo que influyó en sus contemporáneos y más tarde en expresionistas abstractos en los años venideros.
