El arte contemporáneo en Hong Kong ha sido eclipsado por el arte de la China continental. Luise Guest explora el arte contemporáneo en Hong Kong a través de la lente de cuatro mujeres artistas contemporáneas: Phoebe Man, Annie Lai-Kuen Wan, Monti Wai-Yi Lai y Celia Ko, que actualmente trabajan en Hong Kong.
Annie Lai-Kuen Wan, documentación para 'Buscando poesía en Wan Chai': el proceso y la investigación del artista | Cortesía del artista.
Cuando las personas hablan sobre el arte contemporáneo chino, siempre se refieren al arte de China continental. A pesar de las recientes exposiciones internacionales, incluso en Hong Kong, pocas personas parecen estar conscientes del interesante arte contemporáneo que se produce allí. Inicialmente puede parecer menos dramático, menos extraordinario, que el trabajo producido por artistas entrenados en las poderosas escuelas de arte de la República Popular China, como la Academia Central de Bellas Artes de Beijing. Sin embargo, en una inspección más cercana, emergen las sutilezas fascinantes de un lugar liminal con una identidad poscolonial compleja. Hong Kong ha sido una especie de zona de tránsito desde los días de los Puertos del Tratado y la toma británica de su puerto al final de la Primera Guerra del Opio en 1842. Su historia única da como resultado el arte contemporáneo bastante diferente de la forma actual del arte de China. continente.
Algunos hechos poco conocidos sobre el arte contemporáneo en Hong Kong:
- Más de 60, 000 personas asistieron a la Feria de Arte inaugural de Art Basel Hong Kong en mayo de este año. Y más de la mitad de las galerías participantes provenían de la región de Asia Pacífico.
- 7, 000 personas visitaron la exposición de Song Dong en 3 semanas durante enero de este año.
- Las principales galerías internacionales como Gagosian y White Cube ahora tienen presencia en Hong Kong, al igual que Edouard Malingue, Pékin Fine Arts y Pearl Lam.
- El Distrito Cultural West Kowloon, cuando esté completo, comprenderá 17 lugares artísticos y culturales.
- Hong Kong es ahora el tercer mercado de arte más grande del mundo en ventas de subastas.
Claramente, hay hambre de ver arte contemporáneo. Pero, ¿qué significa para los artistas de Hong Kong? Existe la sensación de que los artistas que viven y trabajan allí son las "malas relaciones" de las estrellas del arte de Beijing. A pesar de las exposiciones recientes como el Hong Kong Eye de Saatchi Gallery, que contó con el trabajo de 18 artistas nunca antes mostrados fuera de Hong Kong, todavía es difícil para los artistas locales encontrar representación de la galería, en parte debido a los alquileres prohibitivos de la galería. Liminal, en el K11 Art Mall, de los jóvenes artistas Kenny Wong y Marco de Mutiis, transmite las ansiedades tan evidentes en Hong Kong: falta de espacio, la presión de los alquileres vertiginosos, las inquietudes sobre la identidad cultural y el 'hermano mayor' que mira desde el otro lado la frontera: a través de la metáfora de 'drones' operados por computadora equipados con cámaras de video que observan y graban a los transeúntes inconscientes fuera de la galería. Los Premios de Arte Contemporáneo de Hong Kong también revelan una rica diversidad de práctica. El hecho de que tantos artistas en Hong Kong vean su trabajo como una forma de activismo social a menudo no se reconoce: están comprometidos con su ciudad y sus innumerables preocupaciones de una manera que distingue su trabajo de otros centros artísticos. La artista Annie Lai-Kuen Wan dice: "Para mí, los problemas sociales son abrumadores". El trabajo de Ivy Kin-chu Ma 'Camboya / Museo del Genocidio Tuol Sleng / Números en silencio' ejemplifica esta seriedad de propósito. Una serie de etiquetas fantasmagóricas numeradas en sepia que sugieren etiquetas adheridas a la ropa de una persona se organizan de acuerdo con la secuencia de Fibonacci, con marcas de borrado y sobre-dibujo en las impresiones de archivo.
Para obtener más información, hablé con cuatro artistas muy diferentes en Hong Kong. Todos resultan ser mujeres. En un mundo del arte que todavía está algo alimentado por la testosterona, este es solo un factor más para agregar a las dificultades experimentadas por los artistas locales en un lugar que tiende a mirar más allá de sus propias fronteras.
El escultor y artista de instalación Phoebe Man trabaja con materiales que algunos considerarían no solo poco ortodoxos sino también confrontadores. Lo más notorio es que han incluido toallas sanitarias y recortes de uñas. Ella involucra a su audiencia en trabajos participativos, borrando los límites entre artista y espectador. El hombre ha realizado obras que podrían considerarse abiertamente feministas, que abordan la agresión sexual y la violencia contra las mujeres; y está planeando una pieza en Taiwán en la que trabajará con las restantes 'mujeres de consuelo' de la Segunda Guerra Mundial. Ella ve a estos sobrevivientes ahora muy ancianos como extraordinariamente valientes por traer a la luz lo que alguna vez fue un secreto vergonzoso.
Annie Lai-Kuen Wan trabaja de maneras poco convencionales para reflexionar sobre la naturaleza cambiante de su ciudad. A menudo utilizando moldes, como una forma de "mapear la realidad", examina nuestra relación con el mundo material y sus significados. Su trabajo 'Buscando poesía en Wan Chai' registró el fabuloso tapiz de texto en las partes más antiguas de Hong Kong, un paisaje visual de señalización que está en peligro por el desarrollo. Actualmente se muestra en el Museo de Arte de Hong Kong, 'Elaboración de un escenario inverso para una oveja perdida' es una investigación de las acciones del tiempo sobre sustancias orgánicas. Las figuras de cerámica de oveja se sellan en recipientes de vidrio, junto con arcilla húmeda y brotes de frijol, creando microsistemas cerrados, paisajes surrealistas de crecimiento y descomposición en miniatura.
Monti Wai-Yi Lai trabaja con materiales que se encuentran en el entorno natural, en particular con pigmentos que crea a partir de hojas molidas, una vez más reflexionando sobre los problemas sociales y ambientales muy particulares de Hong Kong. Lai utiliza los patrones de mosaicos tradicionales que se encuentran en los bloques de apartamentos de Hong Kong de la posguerra como principio de organización y elemento clave de diseño en sus obras efímeras, a menudo participativas, específicas del sitio. Ella quiere hacer trabajos en los que su propio recuerdo de haber crecido en un área semi-rural de Hong Kong, ahora rápidamente sumergida en la megalópolis urbana, se conecte con problemas importantes tanto locales como globales. Ella piensa que una voz auténticamente de Hong Kong se escucha cada vez más. ¡Los artistas y el público lo están buscando! ella dice.
Celia Ko, una pintora entrenada en las convenciones del realismo académico, adapta las convenciones y la iconografía barroca y renacentista para crear imágenes teatrales altamente teatrales. Ella reflexiona sobre las relaciones entre sus protagonistas y sus vidas contemporáneas, así como sobre su propia historia e identidad cultural. Algunas obras se centran en sus abuelos y la importancia de la familia en la cultura tradicional china; otros sobre las complejas identidades y relaciones híbridas que emergen en la ciudad contemporánea.
Cada uno de estos cuatro artistas ha realizado estudios y residencias fuera de Hong Kong, y ha exhibido su trabajo a nivel internacional, y aportan estas ricas experiencias a la forma en que representan sus ideas. El trabajo de Phoebe Man 'Reescribiendo la historia' incorpora la intrincada tradición china de cortar papel en una instalación que explora las consecuencias psicológicas de la agresión sexual. El hombre ve este trabajo como un proyecto continuo en el que le da voz a aquellos que de otro modo no serían escuchados, encontrando una forma metafórica de representar las complejas experiencias de las víctimas. El hombre usa el corte de papel porque es un arte popular tradicionalmente hecho por mujeres. "Lo uso porque el papel es una artesanía tradicional de las mujeres y es como un diálogo con la tradición china", dice. Dudando de ser definida como una artista feminista, a pesar de la notoriedad temprana derivada de sus esculturas hechas de toallas sanitarias, Man dice: 'En realidad, mi trabajo se trata de la autoexploración, por lo que mi trabajo es (primero) sobre Hong Kong, y luego porque soy una mujer
.Diría que me inspira la teoría feminista, pero no diría que soy una artista feminista. Espero que todavía haya espacio para la imaginación en mi trabajo, así que no diría que es una ilustración de la teoría feminista ''.
'The Moons' documenta pequeñas esculturas hechas de recortes de uñas de la artista, unidas a sus propias uñas en una meditación sobre los ideales contemporáneos de la belleza femenina, y un comentario sobre la construcción cultural de las nociones de repulsión versus deseo. En un homenaje a Dada y la colección ya preparada, su serie de 'esculturas consumibles' de 2007, 'Cakes', fue una respuesta al décimo aniversario de la entrega de Hong Kong en 1997. Ella escribió una serie de diálogos imaginarios entre amantes y los aplicó como decoraciones para pasteles. 'Los diálogos pueden ocurrir entre amantes o amigos. Podrían aludir a la relación entre el gobierno de China continental y el pueblo de Hong Kong ", dice, de manera bastante críptica. Al espectador le queda decidir qué está diciendo sobre esta relación problemática, y si el ansioso consumo de los pasteles por parte del público también es una metáfora.
Annie Wan dice que no tiene intención de empujar los límites de la práctica de la cerámica; Sin embargo, sus reflexivos trabajos, basados en su profunda comprensión de la teoría cultural contemporánea, hacen exactamente eso. Las ideas de tiempo, pérdida y memoria están incrustadas en su práctica material. Ella usa arcilla para hacer moldes de objetos encontrados (libros, latas de supermercados, azulejos de edificios demolidos) y luego los arroja de una manera que recuerda las obras de Rachel Whiteread o Doris Salcedo. Las obras de Wan son igualmente elegíacas. En 'Buscando poesía en Wan Chai', se inspiró para recrear la ubicua señalización de la calle de Hong Kong en relieve. Mientras navegaba por una librería, encontró un poema clásico: "No hemos visto la luna antigua, pero la luna actual ha brillado sobre los pueblos antiguos". Vagó por Wan Chai para encontrar signos con los caracteres chinos que necesitaba para reproducir el poema. Encontrándolos fuera de las tiendas, en los baños públicos e incluso en los cementerios, presionó losas de arcilla sobre los letreros para crear un molde. Los signos blancos fantasmales resultantes sugieren el pasado antiguo y también la sensación palpable de pérdida que sienten los nacidos en Hong Kong cuando ven que su ciudad se transforma. "He prestado atención a este tipo de imágenes", dice el artista gentil y suavemente hablado.
Una obra es más abiertamente política. Para la 'Trilogía de libros prohibidos', que se mostró inicialmente en Beijing, Wan hizo un elenco de un libro sobre los eventos del 4 de junio de 1989, prohibido en el continente chino, agregó su código de barras y colocó el frágil libro de porcelana resultante en los estantes en un librería adjunta a la galería. Nos pide que consideremos cómo se pueden suprimir las ideas y cómo la historia, y las personas, se pueden volver invisibles. En Hong Kong, usando el mismo libro, agregó harina y materiales orgánicos para que creciera una superficie de moho. En otra versión, agregó tierra y otra materia orgánica, y las malas hierbas crecieron a través del libro. En la versión final, pintó el libro original con un engobe y lo disparó, por lo que el libro se quemó en el horno. Lo que queda es como un fósil, un recuerdo de injusticia y control social.
'I Think It Rains', 2013, evoca nociones de presencia y ausencia, pasado y presente. Este trabajo específico del sitio registra una aldea demolida de la dinastía Qing. Wan tomó las dimensiones exactas de 18 x 10 pies de las casas desaparecidas de dos pisos e hizo azulejos muy delgados, instalados en Cattle Depot Artist Village con plantas que crecen en el medio. El público recibió instrucciones de regar las plantas, pero para hacerlo tuvieron que pisar los frágiles azulejos, que por supuesto se romperían en pequeños fragmentos, una metáfora evocadora.
Monti Wai-Yi Lai es un apasionado de Hong Kong, su historia y su futuro, y está ansioso por los cambios que hacen que las personas se sientan impotentes. Desde los primeros trabajos específicos del sitio creados como estudiante de posgrado en Finlandia, utilizando nieve y otros materiales naturales, se ha interesado en las ecologías del lugar y los efectos del tiempo. Actualmente participa en una serie de proyectos en los que recolecta hojas de un sitio, o pide a los participantes que traigan las suyas, está experimentando formas de convertirlas en pigmentos que luego se aplican de una manera que ella considera similar a la pintura tradicional con tinta. Lai quiere que su arte sea democrático, que involucre a la comunidad, más que al mercado; para ser para muchos en lugar de unos pocos. Es el arte que surge del compromiso social y de las ideas sobre cómo encontrar una forma de vida más sostenible.
En 'One Square Foot: Shek Wu San Tsuen' nos pide que consideremos los costos sociales del desarrollo y la 'modernización'. Si la demolición de aldeas históricas para la reurbanización es la única solución para aliviar las tensiones causadas por la demanda de viviendas, "¿cuál será el precio que finalmente pagaremos por pie cuadrado de tierra así adquirido?" ella pregunta. En este trabajo, se aplicaron pigmentos foliares a las 'baldosas' de piso cuadrado en una instalación compuesta por cortinas de gasa translúcidas colgantes. En 'Village Watch', la artista hizo un código QR a partir de pigmentos hechos de hojas recogidas en las aldeas de Shek Wu San Tsuen y Tin Ping San Tsuen, registrando su viaje por estos lugares amenazados.
Celia Ko se siente igualmente apasionada por Hong Kong y su herencia; Sin embargo, ella emplea un lenguaje visual muy diferente para explorar sus ideas. Como Frank Vigneron señaló en su artículo de 2012 sobre artistas de Hong Kong en la revista Yishu, el arte que podría describirse como 'orientado a la comunidad' no es la única forma de abordar los problemas sociales. En su exposición That Moment Now Ko subvirtió la tradición de los retratos de antepasados, trabajando a partir de fotografías antiguas para crear imágenes de sus abuelos maternos. Estos retratos evocan una sensación de pérdida y memoria, al igual que las pinturas de acrílico sobre papel de Ko de objetos de laca, vasijas de cerámica y espejos decorativos ornamentales, objetos que representan poderosos recuerdos de la infancia. Las superficies brillantes y oscuras sugieren una misteriosa narración oculta, y la cadena continua de generaciones de una familia que ha usado y mantenido estos objetos.
Los trabajos más recientes crean cuadros elaboradamente escenificados que exploran ideas sobre la comunicación entre amigos y amantes. Las burlas, el juego y los rituales de cortejo y sexualidad se mencionan en forma alegórica. Organizado en el estudio de la artista, un espacio oscuro e íntimo realzado con un espectacular claroscuro, en su serie 'Curious Fruits', Ko crea un mundo intrigantemente ambiguo con un gran virtuosismo técnico. Describiéndose a sí misma como "una tonta para la pintura barroca: la emoción intensa, los contrastes dramáticos, la violencia, las acciones extrañas, exageradas y desconcertantes
'ella invita a su audiencia a completar la narrativa por sí mismos, planteando preguntas sobre la distinción entre realidad y artificio.
Desde cuestiones de género hasta cuestiones de justicia social y medio ambiente; desde la poesía urbana hasta las cuestiones de identidad poscoloniales, lo personal es político en el trabajo de estos cuatro artistas muy diferentes.
Por Luise Guest
