A primera vista, la obra de arte de Wassily Kandinsky podría confundirte; ¿Cómo pueden todas esas pinturas dispares provienen de un artista? Nacido en Odessa, experimentó tanto la Revolución de Octubre en Rusia como el surgimiento de los nazis en Alemania antes de mudarse a París para vivir el resto de su vida. Las obras de arte de Kandinsy experimentaron cambios sorprendentes, y las diez pinturas a continuación son una excelente manera de ver la prueba.
Der Blaue Reiter (1903)
Kandinsky eventualmente sería acreditado por crear la primera pintura puramente abstracta, pero Der Blaue Reiter no lo es. Esta pintura, terminada en 1903, es un buen ejemplo de sus obras anteriores, que muestran las influencias del impresionismo francés y, en cierta medida, el puntillismo. Este trabajo en particular eventualmente sería recordado por otra razón: en 1911, Kandinsky estaba entre un grupo de artistas alemanes y rusos para fundar un grupo llamado Der Blaue Reiter, o The Blue Rider, en respuesta a una pintura diferente de su rechazo de una exposición, aunque es poco probable que haya nombrado al grupo después de esta pintura.
Der Blaue Reiter Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Murnau, tren y castillo (1909)
Las pinturas de Kandinsky gradualmente se volverían cada vez más abstractas, y con Murnau, Train and Castle, puedes ver una parada en el camino. Kandinsky lo pintó en 1909 después de haber viajado por gran parte de Europa y luego decidió instalarse en Murnau, un pequeño pueblo de Baviera. En esta pintura, puede ver cómo el color juega un papel casi tan importante como las formas que da forma, aunque las formas aquí todavía son claras; el tren y el castillo son evidentes, al igual que varios elementos del fondo.
Murnau, tren y castillo Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
El jinete (1911)
The Rider, una pintura de 1911, al comienzo del tiempo de Kandinsky en el grupo The Blue Rider, ofrece una buena oportunidad para comparar y contrastar su trabajo anterior y posterior, especialmente dado que el tema aquí es muy similar al Der Blaue Reiter anterior. El caballo y el jinete son claros aquí, pero no son más que líneas y colores sin el menor detalle y la escena de fondo que encontrarás en la pintura anterior. Esta es en realidad una de sus obras menos abstractas de la época, pero aún captura la misma energía y fuerza.
El jinete © Wassily Kandinsky
Improvisación 27 (1912)
Para Kandinsky, quien a menudo se refería a sus pinturas con términos generalmente reservados para el mundo de la música, las "improvisaciones" eran piezas espontáneas y no planificadas, mientras que las "composiciones" eran más complejas y planificadas. Su uso de la terminología no fue simplemente por casualidad; Como teórico del arte, vio muchas conexiones entre la forma en que la música y el arte abstracto pueden alcanzar sentimientos y emociones puros, mejor, sintió, que las piezas realistas. La improvisación 27 también se llama El jardín del amor II, que le da un nuevo potencial a lo que está expresando.
Improvisación 27 © Wassily Kandinsky
Composición VI (1913)
La Composición VI es una pieza abstracta que Kandinsky pretendía producir imágenes específicas, específicamente, el apocalipsis por agua, más el bautismo y el renacimiento, todo en una pintura gigante. Sin embargo, se encontró con un bloqueo en el camino, que solo superaría siguiendo el consejo de un amigo de repetir la palabra alemana para 'inundación' (überflut) una y otra vez, escuchando el sonido pero ignorando el significado. Esto le permitió liberarse de sus pensamientos sobre la pieza, y después de ese avance lo completó en tres días.
Composición VI Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Composición VII (1913)
La Composición VII es una especie de culminación de esos años de Blue Rider, ya que en su opinión fue la pieza más compleja que haya pintado. Al igual que las composiciones anteriores, esta pintura tiene un lado muy espiritual, como gran parte del trabajo de Kandinsky. Tenía la intención de lograr una conexión espiritual entre él y los espectadores a través de la pintura, un conducto que evoca sentimientos similares en ambos lados. Si bien puede parecer solo salpicaduras de formas y colores, Kandinsky vio un significado para cada color, y los unió con gran propósito.
Composición VII Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Puntos (1920)
Con Points, tienes la oportunidad de ver la próxima dirección de las pinturas de Kandinsky. Poco a poco se volvieron más geométricos en su forma, y Points es una buena ilustración de cómo concibió estas formas geométricas. Los dos elementos principales de sus pinturas en este momento eran líneas y puntos. Ambos adquirieron significados adicionales en su teoría; un punto es simplemente una forma en la pintura, no se limita a ningún color, tamaño o forma específicos. Las líneas son el resultado de un artista que aplica fuerza sobre una herramienta, un pincel o un lápiz, en una dirección específica, e incluso las direcciones y curvas (o la falta de ellas) de las líneas tienen un significado específico para Kandinsky.
Puntos Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
Sobre blanco II (1923)
Una de sus obras más famosas, On White II, pintada en 1923 (tres años después de Points, que fue pintada en 1920), muestra el desarrollo que sufrió la pintura geométrica de Kandinsky en un tiempo relativamente corto. Las líneas son más nítidas, las formas más nítidas, pero todas estaban regidas por la comprensión de Kandinsky de lo que significaban las diversas líneas y colores cuando se unían. Para él, el blanco simboliza el silencio completo y la posibilidad completa, y el blanco y el negro forman el segundo gran contraste de colores, que también se puede ver en esta pieza.
Sobre blanco II © Wassily Kandinsky
Varios círculos (1926)
Varios círculos es notable por la forma en que Kandinsky usa los colores, con los círculos perfectos superpuestos y sus colores combinados para formar unos completamente nuevos. El fondo negro también es importante: para él, el negro simbolizado, más simplemente, la muerte, pero también la desesperanza y la nada. Los otros colores, sin embargo, se suman a la impresión general de la pieza, que a primera vista parece bastante colorida y brillante, como fuegos artificiales o planetas; cada uno tenía sus propios significados, junto con las combinaciones entre ellos. El azul, por ejemplo, es un color que para Kandinsky pertenecía al cielo y estaba destinado a evocar una profunda sensación de calma.
Varios círculos Wassily Kandinsky / WikimediaCommons
