Un hombre profundamente filosófico que evitó el materialismo e insistió en la primacía de la emoción cruda, tal vez todos podríamos ver un poco más de los principios de Rothko en nuestras vidas. Aquí hay 10 cosas que debes saber sobre el artista, incluido cuál era su mayor temor.
La experiencia individual es clave
Rothko creía firmemente en la importancia de la experiencia personal de los individuos en sus pinturas. En su visión, el espectador se vería arrastrado a una relación profunda y meditativa cuando se enfrenta al lienzo, un estado de vulnerabilidad emocional y receptividad total, análogo al estado emocional de Rothko cuando pintaba el lienzo en su estudio.
Mark Rothko en su estudio, 1964, cibachrome © Hans Namuth / Cortesía de la National Portrait Gallery, EE. UU.
El maestro del color no estaba "interesado en el color"
Desde su muerte prematura, muchos pioneros han descrito a Rothko como pionero del movimiento Color Field como indiscutible e innovador. Para el propio pintor, el color era solo un vehículo hacia una reacción emocional evocada en el espectador, a rayas de cualquier trasfondo estético o decorativo. En una famosa declaración que encarna su práctica artística, Rothko dijo: "Si solo te conmueven las relaciones de color, te estás perdiendo el punto".
Rudy Burckhardt (1914–1999), Mark Rothko, Nueva York, 1960, impresión en gelatina de plata Cortesía de Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (regalo de Seymour H. Knox Jr.)
La única respuesta que importa es emocional.
Rothko estaba preocupado por la reacción humana cruda, o lo que él llamó "emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, fatalidad, etc.", y descubrió que esta era la única forma "correcta" de reaccionar a sus pinturas. A medida que se acerca al lienzo, el espectador debe librarse del deseo de interpretar o comprender la pintura en un sentido intelectual, y dejarse conmover por la emoción grabada en la composición. En última instancia, Rothko vio esto como un estado en el que el pintor y el espectador comparten un conjunto de emociones, casi trascendental, mientras se enfrentan al mismo lienzo. En el contexto del arte cada vez más intelectualizado de los años cincuenta y sesenta, este enfoque no solo era original sino también controvertido.
Mark Rothko, Sin título (boceto del Seagram Mural), 1959, óleo sobre lienzo Cortesía Gemeentemuseum den Haag
Abstenerse de llamar a sus pinturas "hermosas"
Hacer que sus pinturas tengan un propósito decorativo fue posiblemente el mayor temor de Rothko como artista. Cada vez que vendía uno en privado, primero estudiaba la reacción del comprador al lienzo en un intento de evaluar si el nuevo propietario usaría la pintura como accesorio o pieza central. Aunque hay una belleza indiscutible en las altísimas obras hipnóticas de Rothko, su forma prescrita de mirarlas es vaciar su mente de cualquier consideración estética y percibir que se mueven, tanto literal como figurativamente.
Mark Rothko, Sin título, 1955, óleo sobre lienzo Cortesía Gemeentemuseum den Haag
Las primeras obras de Rothko son figurativas.
Sus primeras obras son decididamente figurativas, muy lejos de las vastas y abstractas obras por las que finalmente se hizo conocido. Las escenas del metro, las interpretaciones del mito antiguo, los estudios de figuras semihumanas y los escenarios pastorales se unen en una mezcla ecléctica de temas aparentemente no relacionados, antes de convertirse en abstracciones borrosas en la siguiente etapa del desarrollo de Rothko. El único vínculo entre estos y sus trabajos posteriores es la inclinación visible del pintor por las líneas verticales verticales, los cuerpos extendidos hacia arriba y las columnas omnipresentes, todos anticipan los trabajos maduros de Rothko.
Mark Rothko, Sin título, 1947, óleo sobre lienzo Cortesía Gemeentemuseum den Haag
El negro nunca es realmente negro
Más específicamente, el negro utilizado por Rothko es un plano multidimensional de tono oscuro, generalmente colocado encima o al lado de un tono diferente que le da al resto de la pintura una coloración muy sutil. Incluso en los trabajos tardíos, típicamente oscuros, la capa de negro está puntuada por destellos de color semi-aparentes desde abajo, luchando por el aire más allá de la impresión inicial.
Mark Rothko, Sin título, 1953, técnica mixta sobre lienzo Cortesía Gemeentemuseum den Haag
Las pinturas de Rothko se encuentran entre las obras de arte más caras jamás vendidas
Rothko's Orange, Red, Yellow (1961) se encuentra entre las cinco pinturas de posguerra más caras jamás vendidas en una subasta. Obtuvo unos extraordinarios $ 86.9 millones en una subasta de Christie's en Nueva York en 2012, superando el récord anterior del artista con White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose), que se compró por $ 72.8 millones en Sotheby's en 2007. Para poner esto en contexto, Irises de Van Gogh (1889) se vendieron por '' simples '' $ 53.9 millones en 1987.
El dinero nunca fue un impulso para Rothko
A pesar de los precios récord alcanzados por sus pinturas en el negocio del arte de hoy, la prosperidad y la fama nunca estuvieron entre las prioridades de Rothko. La llamada comisión Seagram es un ejemplo espectacular: en junio de 1958, Rothko aceptó una comisión de los propietarios del nuevo restaurante Four Seasons en Nueva York para producir un conjunto de murales para el interior y complementar el elenco de estrellas involucrado. en el diseño del restaurante, completo con Mies van der Rohe y Philip Johnson.
Después de aceptar inicialmente lo que habría sido su tarea más lucrativa, Rothko rompió el contrato abruptamente, con poca explicación. Se sospecha que pensó que el proyecto comprometería su integridad como artista y haría que sus pinturas fueran puramente decorativas en un entorno de lujo.
Los murales de Seagram Cortesía de Gemeentemuseum den Haag
Las obras posteriores de Rothko gravitan hacia la oscuridad
Durante las últimas etapas de su carrera, en la década de 1960, las pinturas de Rothko comenzaron a virar hacia la oscuridad, un cambio completo de su enfoque anterior en lienzos vibrantes donde el color aparentemente tomó el centro del escenario. Grises oscuros y casi negros comenzaron a dominar su paleta en lo que muchos ven ahora como un presagio de su suicidio en el invierno de 1970. Sorprendentemente, su trabajo final es una composición estridente de rojos sangre.
Mark Rothko, No. 7, 1964, técnica mixta sobre lienzo Cortesía Gemeentemuseum den Haag
