En caso de que no lo hayas notado, Los Ángeles está repleto de espacios de exhibición. LACMA es el hogar de 100, 000 obras de arte, consolidándose como el museo más grande en el oeste de los Estados Unidos. El museo abrió sus puertas en 1965 y se centra en la extensión de la historia del arte y el mundo. ¿Donde empezar? Perfilamos diez obras imperdibles en LACMA.
Mujer llorando con pañuelo (1937) de Pablo Picasso
Picasso pintó esto en 1937 en España después de completar su famosa obra Guernica, en protesta por la Guerra Civil española. Después de eso, Picasso cambió su estilo de pintura al surrealismo, pero continuó pintando a la mujer que lloraba con frecuencia. La mujer capturada no solo representa su agitación personal, y muchos creen que es un retrato de su amante y amante Dora Maar, sino que también representa una víctima de la guerra: una esposa y una madre que quedaron en agonía por la destrucción. La pintura es increíblemente poderosa y estimulante. El museo tiene una gran variedad de obras de Picasso en exhibición de varios períodos diferentes, para que pueda explorar la colección de este gran artista.
Foto por Daren DeFrank
Shiva como señor de la danza (c. 950–1000) por Tamil Nadu
Shiva el Destructor y Restaurador es uno de los tres dioses hindúes. Los otros incluyen a Brahma el Creador y Vishnu el Conservador. Shiva es ampliamente popular y venerado en todo el sur de la India. Shiva también es conocido como el dios patrón del yoga y la danza cósmica que creó el universo en ciclos rítmicos continuos. En esta representación, Shiva baila alrededor de una llama que se eleva desde un pedestal de loto que muchos consideran un símbolo de la creación. La escultura se ha convertido en un símbolo de la civilización india. La obra captura la gracia y la unidad divina de Shiva. La escultura se puede encontrar en el cuarto piso del Edificio Ahmanson, y al verla de cerca, es fácil ver el poderoso significado que esta escultura ha tenido en la cultura india, así como por qué la pieza se celebra en todo el mundo.
Foto por Daren DeFrank
Luchadores (1899) de Thomas Eakins
Esta pintura es fácil de encontrar en la galería porque simplemente requiere su atención. De repente, estás tan cautivado por la imagen rígida que es difícil mirar hacia otro lado. Eakins es considerado uno de los grandes pintores realistas estadounidenses del siglo XIX, y es fácil ver por qué. Parece que la pintura está teniendo lugar frente a ti con dos luchadores entrelazados en medio de un combate. El objetivo en muchas de sus obras era capturar el "heroísmo de la vida moderna", y con frecuencia pasaba horas creando estos momentos. A menudo hacía que dos atletas lucharan por él y luego determinaban qué posición le parecía más estilísticamente interesante. Esta pintura también es su última terminada sobre el tema de la forma humana y se terminó hacia el final de su carrera. Se cree que es representativo de sus propias frustraciones con la vida. La pintura es ciertamente impresionante. ¿Quién sabía que luchar con los demonios podría ser tan hermoso?
Foto por Daren DeFrank
Tres Quintains (1964) de Alexander Calder
Esta escultura es única no solo por los elementos de diseño en el trabajo de Three Quintains de Alexander Calder, sino también porque la pieza fue creada para el museo. Antes de la apertura del museo, se formó un comité para adquirir una escultura de fuente para la ubicación. El museo le ofreció la comisión a Calder, quien aceptó en junio de 1964. Laurelle Burton, quien era la presidenta del Consejo del Museo de Arte en ese momento, dijo: "Hacer que un hombre con la prominencia de Alexander Calder sea el primero en diseñar una escultura específicamente porque el nuevo museo establecería los estándares para futuros esfuerzos, por parte de los artistas y donantes '. La fuente se compone de formas geométricas simples, que son características del estilo de Calder, flotando en el aire y propulsadas por chorros de agua. La pieza es una de las pocas esculturas de fuentes que Calder ha creado. El trabajo está en exhibición permanente en el Jardín de Mesa Redonda del Director.
Día de la flor (Dĩa de Flores) (1925) de Diego Rivera
Diego Rivera ciertamente no necesita presentación. Sus pinturas, en una variedad de medios, incluyendo acuarela y óleo, son mundialmente reconocidas. ¡Esta pintura es una obra imperdible! El punto focal de la pintura es el vendedor de alcatraces. Las flores se ven desde arriba, lo cual es una perspectiva única. Además, la composición de la pieza es interesante porque las figuras son de estilo de bloque, que es una técnica que Rivera perfeccionó de su pintura cubista al principio de su carrera. Después de ganar el primer lugar en la Primera Exposición Panamericana de Pinturas al Óleo en 1925, fue obtenida por la institución matriz de LACMA, el Museo de Historia, Ciencia y Arte de Los Ángeles.
Día de la flor de Diego Rivera © Joaquin Martinez / Flickr
Azulejo con desplazamiento Arabesque Floral (c. Siglo 15), Gran Irán
Parte de la exhibición de LACMA, Arte Islámico Ahora - Parte 2, esta pieza de cerámica data del siglo XV. La exposición en su conjunto se centra en la mezcla entre el pasado y el presente en una variedad de medios y temas. Este azulejo pertenece a la regla timurí en Irán y Asia Central. Los timúridos patrocinaron edificios a menudo adornados con azulejos decorativos como este. Las piezas del mosaico se cortaron de diferentes conjuntos de mosaicos, con una variedad de colores diferentes, para crear un mosaico que se uniría a otros para crear un diseño complejo en el exterior de las estructuras. Lo más llamativo de esta pieza es que, a pesar de la antigüedad y el desgaste del azulejo, los colores de la época siguen siendo vivos.
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- Azulejo © Beesnest McClain / Flickr
La Trahison des images (Ceci n'est pas une pipe) (1929) de René Magritte
Esta pintura no solo se considera una de las obras maestras surrealistas de René Magritte, sino que también es muy reconocida como un icono del arte moderno. El surrealismo era un estilo de arte que influía mucho en la psicología freudiana. Simbolizaba una reacción contra el "racionalismo", que muchos creyeron que contribuyó a la Primera Guerra Mundial. Sus pinturas de imágenes de palabras son sus ejemplos de la imposibilidad de combinar palabras con imágenes y objetos. Magritte había trabajado en publicidad, además de ser artista, y la pintura al principio parece ser simplista: casi vende la pipa representada en la pieza. Sin embargo, debajo de las palabras leídas "esto no es una tubería", que al principio es confuso. El elemento complejo es que una pintura de una tubería no es en realidad una tubería en sí misma, sino simplemente una representación de una tubería. Su uso del texto en sus pinturas influiría en una generación de artistas orientados al concepto, incluidos: Jasper Johns, Roy Lichtenstein y Andy Warhol.
Foto por Daren DeFrank
Bodegón con cerezas y duraznos (1885-1887) por Paul Cézanne
Paul Cézanne es conocido como uno de los pintores legendarios posimpresionistas del siglo XIX. Sus pinturas incluyen una variedad de temas, desde paisajes hasta retratos y bodegones. Sus pinturas icónicas de diferentes configuraciones de mesa son inmediatamente reconocibles dentro y fuera del mundo del arte. Cézanne utilizó colores vivos y pinceladas para capturar la intensidad de las imágenes, que se ejemplifica en esta pintura. Los puntos de vista en la pintura son variados. Las cerezas se ven desde un punto focal anterior, mientras que los melocotones, a pesar de su proximidad, parecen verse más hacia un ángulo lateral. El vidrio y la lámina acompañan la configuración de la mesa y son realistas pero más abstractos al mismo tiempo, lo cual es típico del postimpresionismo. Esta pieza es un ejemplo clásico del estilo cautivador de Cézanne y una pintura imperdible por derecho propio.
Foto por Daren DeFrank
Cold Shoulder (1963) de Roy Lichtenstein
Roy Lichtenstein es uno de un grupo de artistas que utilizaron imágenes comerciales en su trabajo y lo transformaron. Estos estilos se conocieron como Pop Art y se pusieron de moda en la década de 1960. El uso de colores y líneas en negrita crea imágenes de tipo cómic. El dibujo preciso también queda plano sobre el lienzo, careciendo deliberadamente del uso de la dimensión. Además, la yuxtaposición del texto en la pieza que dice 'Hola' con la mujer que mira hacia atrás crea una dinámica interesante. Usando el estilo conocido como puntos Ben-Day (impresora), que es un proceso mecanizado utilizado en la producción de cómics, Lichtenstein crea la piel de la mujer con una interpretación artesanal de la técnica.
