El artista noruego Edvard Munch (1863–1944) fue uno de los simbolistas y expresionistas más destacados de su tiempo. Al perder tanto a su hermana como a su madre por tuberculosis a una edad temprana, su arte sirvió como una salida para su miedo y ansiedad posteriores. Aquí, presentamos 11 de las obras maestras más inquietantes de Munch, todas las cuales ilustran la percepción emotiva del artista sobre la mortalidad humana.
El grito
The Scream es la pintura más emblemática de Edvard Munch, que representa a un hombre horrorizado que se tapa las orejas bajo una ardiente puesta de sol. La imagen supuestamente se inspiró en una visión que el artista tuvo en una caminata con dos amigos, y entre 1893 y 1910, produjo dos pinturas al óleo y dos pasteles que representan esa visión. Expresó su experiencia en poesía en el marco de su pastel de 1895: "Estaba caminando por el camino con dos amigos, el sol se estaba poniendo, de repente el cielo se puso rojo como la sangre, me detuve, agotado, y me apoyé en la cerca. Había sangre y lenguas de fuego sobre el fiordo negro azulado y la ciudad. Mis amigos caminaron y yo estaba allí temblando de ansiedad, y sentí un grito infinito que pasaba por la naturaleza.
El grito, 1910 © Museo Munch
Tarde en Karl Johan
En 1891, Munch completó su día de primavera de colores brillantes en la calle Karl Johan. Esta alegre representación de la calle Karl Johan es completamente opuesta a la imagen de Munch de la calle por la noche, que se terminó en 1892. El sol se ha puesto, y un grupo de peatones parece estar alejándose de un funeral o algún tipo de terrible evento. La forma en que esta imagen contrasta tan fuertemente el estado de ánimo de la ilustración de Karl Johan de Munch en el día agrega un elemento escalofriante a las figuras anónimas y fantasmales.
Noche en Karl Johan, 1892 © Museo Munch
Ansiedad
Pintado en 1894, Anxiety representa personajes tristes no muy diferentes de The Scream and Evening on Karl Johan. Un puente aparentemente familiar sobre un cuerpo de agua bajo un cielo rojo sangre se parece mucho al escenario de The Scream. Las figuras fantasmales en primer plano con atuendo de luto y expresiones faciales oprimidas se parecen al mismo grupo en Evening on Karl Johan.
Ansiedad, 1894 © Proyecto de arte de Google / WikiCommons
Celos
El triángulo amoroso fue un tema común en el trabajo de Munch, representado en varias capacidades a lo largo de 11 pinturas diferentes. Los primeros celos se pintaron en 1895 y los últimos en la década de 1930; y aunque la configuración no es la misma, cada pintura emotiva retrata a un hombre celoso mirando aterrorizado al espectador mientras una pareja amorosa se abraza en el fondo. La inspiración para esta serie provino del deseo de Munch y de un colega por la misma mujer. Los artistas decidieron colaborar y cada uno hizo sus propias pinturas sobre el tema de los celos. Aquí, Munch se imagina a sí mismo con la mujer, dejando a su ex amante en un estado de celos.
Celos, 1907 © Museo Munch
La muerte de marat
Una de las imágenes más famosas de la Revolución Francesa es la influyente pintura del artista neoclásico Jacques-Louis David titulada Death of Marat. Muestra al líder revolucionario Jean-Paul Marat muriendo en una bañera después de ser asesinado por Charlotte Corday, y fue pintado en 1793, pocos meses después del incidente. Edvard Munch se encuentra entre varios artistas que se inspiraron en la obra maestra y crearon su propia versión de la muerte de Marat. Su pintura al óleo de 1907 muestra no solo una figura masculina que muere en una cama ensangrentada, sino que también incluye una representación de la mujer responsable. Su recreación se representa a sí mismo como Marat y su amante Tulla Larsen como la asesina, tanto desnuda como inquietantemente quieta.
La muerte de Marat, 1907 © Munch Museum
El niño enfermo
Edvard Munch completó seis versiones de El niño enfermo entre 1885 y 1926. La imagen muestra a una joven débil y pálida en la cama con una mujer mayor, que se cree que es su tía, sentada a su lado con pena. La hermana de Munch, Johanne Sophie, murió de tuberculosis a la edad de 15 años, que es a lo que hace referencia y a la que regresa en estas pinturas. Él mismo también casi murió de la enfermedad infecciosa, y se cree que la imagen registra su desesperación y culpa de que él fue el que sobrevivió en lugar de su hermana.
El niño enfermo, 1907 © Munch Museum
La danza de la vida
La Danza de la Vida muestra parejas bailando bajo la luna en una noche de verano. El punto central de la pintura es la pareja en el medio, que se cree que es Munch y el amor de su vida, Tulla Larsen. La imagen en su conjunto cuenta una historia de la experiencia humana, y las dos mujeres que enfrentan a la pareja a cada lado representan las diferentes etapas de la vida de una mujer. El de la izquierda, que busca la flor en su vestido blanco, representa la inocencia de un niño mirando hacia adelante, y la mujer de colores oscuros muestra una figura madura mirando a la pareja tristemente. Este es un gran ejemplo de la sensibilidad emocional del pintor y su perspectiva algo melancólica sobre la vida y el amor.
La danza de la vida, 1925 © Munch Museum
Separación
Esta imagen triste y emocional fue pintada en 1896. Ilustra el amor, la pérdida y la angustia, mostrando a un joven apoyado contra un árbol y sosteniendo su corazón con una mujer iluminada y sin rostro en el fondo. La imagen claramente representa amantes separados, pero debido a que la mujer se presenta como una figura angelical flotando, posiblemente simboliza que aunque el amor del hombre se ha ido, los recuerdos de ella y del pasado siempre lo perseguirán.
Separación, 1896 © Proyecto de arte de Google / WikiCommons
Pubertad
Edvard Munch creó la pubertad entre 1894 y 1895. Ilustra a una joven desnuda que acaba de entrar en la pubertad y es una de sus imágenes más controvertidas. Debido a que el cuerpo de la niña está pintado con tanto detalle, muchos creen que esta es una imagen de una modelo en vivo. La niña se sienta tímidamente en la cama, con las piernas cerradas y los brazos cruzados, cubriéndose, tal vez representativa de la sexualidad reprimida. Una sombra oscura acecha al lado de la niña, posiblemente símbolo de su ansiedad y miedo al crecer.
Pubertad, 1894-95 © Munch Museum / WikiCommons
Vampiro
Esta imagen es una de las imágenes más controvertidas e impactantes de la historia del arte europeo, y también una de las piezas más reproducidas y codiciadas de Munch. Es parte de su serie de 20 piezas llamada The Frieze of Life y originalmente se llamaba Love and Pain. Munch hizo cuatro versiones de esta imagen y siempre insistió en que no era más que una mujer consolando a un hombre, pero una vez que se lanzó al público en 1894, muchos lo vieron como un hombre encerrado en un abrazo de vampiro pelirrojo, vinculándolo a sado. masoquismo, las relaciones de Munch con las prostitutas
.y algunos incluso lo consideraron como una fantasía de su hermana muerta. Así es como la imagen tomó el nombre de Vampiro, que es lo que sigue siendo hoy.
Vampiro, 1893 © Proyecto de arte de Google / WikiCommons
