Siguiendo los pasos de los pioneros del arte cinético como Wen-Ying Tsai, quien falleció en enero de 2013, artistas de la Gran China, incluidos Taiwán y Hong Kong, están experimentando cada vez más con los nuevos medios. Muchas de las generaciones jóvenes están trabajando con software y robótica para crear instalaciones cinéticas interactivas e inmersivas que van desde performativas a participativas, y son ejemplos sorprendentemente maravillosos en la creciente escena del arte de los robots.
Dimensión +
Dimension + es un nuevo equipo creativo de medios artísticos fundado por dos artistas de Taiwán y Hong Kong, Escher Tsai y Keith Lam. El colectivo se centra en la fusión del arte y la tecnología. Sus proyectos se centran en integrar los nuevos medios en el espacio y las nuevas artes de los medios en la industria, creando un diseño interactivo interdisciplinario y mejorando la experiencia de la audiencia con la interacción. Basado en la era digital, Dimension + tiene como objetivo unir la dicotomía entre lo digital y lo físico, al transferir lo invisible y lo digital a un elemento visible y tangible, que se logra combinando medios analógicos y digitales.
Dimension + ha ganado muchos premios internacionales y ha exhibido en festivales internacionales, exposiciones y eventos, incluso en Italia, Austria, Japón, Beijing, Shanghai, Guangzhou, Hong Kong y Taiwán.
Signal Morphor: The Orchestra es una instalación interactiva y performativa que transforma la comunicación en partitura musical y da 'vida' a señales inmateriales (o intangibles). El público es el intérprete y la comunicación se traduce en audiovisuales. Un grupo de bailarines con paraguas actúa como una especie de antenas humanas, traduciendo o decodificando las señales de comunicación reaccionando a la información que reciben y realizando su respuesta.
La serie de trabajos titulada Vertebra presentada recientemente en el Festival de Artes Digitales de Taipei 2013 y en The Innovationists, muestra una exposición de artes cinéticas y robóticas en el centro comercial K11 en Hong Kong y en el Museo de Arte Contemporáneo de Taipei. Las obras utilizan papel como material principal y son reproducciones de columnas vertebrales que tienen la estructura y solidez de los animales, así como la suavidad y flexibilidad de las plantas, creando un prototipo híbrido de la criatura 'perfecta'.
Eric Siu
Eric Siu es un artista de nuevos medios de Hong Kong que trabaja con arte de dispositivos, arte interactivo, cinética, instalación, video y animación. Ahora trabaja como Director Creativo en Great Works Tokyo, una agencia de publicidad, y ha sido miembro de la junta de Videotage de Hong Kong desde 2008. En 2005, recibió una licenciatura en Medios Creativos de la Universidad de la Ciudad de Hong Kong, y pasó a completar un proyecto de investigación e intercambio cultural de 12 meses en los Estados Unidos. Sus obras de video y multimedia se han exhibido en todo el mundo, incluso en instituciones y eventos seminarios de nuevos medios como ZKM Karlsruhe, MOCA Taipei, Transmediale, SIGGRAPH Asia, ISEA, Microondas, entre otros.
Su trabajo más popular, Touchy, recibió elogios de la crítica y el primer premio en la 15ª Bienal Internacional de Arte de Medios de WRO 2013, Wroclaw, Polonia y apareció en Discovery Channel y otras publicaciones de medios internacionales. Touchy es una 'cámara humana', una persona que usa una cámara, que toma una fotografía cuando se toca durante más de 10 segundos. El dispositivo de casco portátil tiene las funciones de una cámara que consta de un par de obturadores automáticos, una cámara que funciona y una pantalla interactiva. Touchy es la mayor parte del tiempo ciego detrás de los postigos, y la obra de arte es, de hecho, una transformación de un humano en una cámara. El artista llama a este trabajo un "experimento fenomenológico de interacción social que se enfoca en la relación de dar y recibir transformando literalmente a un humano en una cámara". Para el artista, este trabajo tiene como objetivo curar las ansiedades sociales de la era digital mediante la creación de interacciones lúdicas. En la era tecnológica actual, ha habido una deshumanización del contacto físico y la interacción social se produce cada vez más de forma virtual y digital. Touchy aborda estos problemas permitiendo interacciones con extraños, involucrando el contacto físico y la combinación de humanos con un dispositivo de tecnología social: una cámara, que a su vez es una herramienta para compartir recuerdos, momentos, emociones, belleza.
Xia Hang
Xia Hang (n. 1978, Shenyang, provincia de Liaoning, China) comenzó a pintar cuando tenía 10 años y se graduó con un BFA de la Academia de Bellas Artes Lu Xun y un MFA del Departamento de Escultura de la Academia Central de Bellas Artes de Beijing (CAFA). Durante su tiempo en CAFA, Xia comenzó a hacer esculturas de hombres con forma de coma en acero inoxidable pulido, que fueron los precursores de sus actuales esculturas alienígenas mecánicas.
Xia Hang ha creado una serie de esculturas extraterrestres que, con mecanismos, se mueven, se estiran y cambian de forma con la interacción de la audiencia. El artista creó tales obras interactivas que se mostraron por primera vez en su exposición de 2008 en Beijing, titulada Por favor, no toque (con el "toque" tachado), desafiando esa regla de museo y galería que prohíbe tocar obras de arte. Xia Hang sintió que este tipo de letrero separaba aún más al espectador y la obra de arte, por lo que decidió hacer obras de arte que unieran a los dos, haciendo que las esculturas se conviertan en juguetes.
Xia Hang también creó LM1 (Legacy Machine No. 1) en colaboración con MB&F. El trabajo es un reloj que conserva todas las características atractivas del LM1 original inspirado en el reloj de bolsillo del siglo XIX. La versión Xia Hang presenta una nueva característica, en forma de una escultura en miniatura de acero inoxidable de un hombre que indica la reserva de energía del reloj. 'Señor. Arriba ', la escultura sentada recta cuando el movimiento está completamente enrollado, se transforma lentamente en' Sr. Abajo ', una figura encorvada, cuando el poder disminuye.
Wu Xiaofei
Wu Xiaofei (Dyson) se graduó con una licenciatura en Bellas Artes para Diseño en la Batley School of Art and Design, Dewsbury College, Reino Unido. En la actualidad, Wu tiene su sede en Chengdu y está aprendiendo el arte tradicional del corte de papel y trabajando en un proyecto cinético. Al crecer como un niño introvertido, a Wu le apasionaba desarmar las cosas y reconstruirlas desde cero. Descubrir un mal funcionamiento y encontrar la solución fue lo que lo acercó a desarrollar sus propios trabajos mecánicos. Wu se enfoca en crear artilugios e instalaciones cinéticas que requieren la interacción del público y estimulan su curiosidad.
La máquina de escribir musical es un ejemplo de sus instalaciones interactivas, invitando a jóvenes y adultos a jugar con ella. Normalmente, usar una máquina de escribir es una actividad de escritura sencilla que permite al usuario saber cuál es el resultado de presionar las teclas. En la instalación de Wu, las llaves están conectadas a una serie de líneas de pesca unidas a pequeños martillos. Cuando se presionan las teclas, los martillos golpearán una variedad de objetos, como frascos de salsa de pasta vacíos, latas, botellas, papel de aluminio, produciendo diferentes sonidos. Las conexiones son desconocidas para la audiencia, lo que resulta en una explosión de sonido impredecible. En la actualidad, Wu está tratando de obtener financiación o patrocinio de Ikea, para mejorar el proyecto y mejorar sus antecedentes.
Samson Young
Samson Young (n. 1979) es un compositor, artista de sonido y nuevos medios de Hong Kong con un currículum casi intimidante. Recibió una licenciatura en Música, Filosofía y Estudios de Género de la Universidad de Sydney en 2002 y un MPhil en Composición Musical de la Universidad de Hong Kong en 2007. Tiene un Doctorado en Composición Musical de la Universidad de Princeton (EE. UU.) Y es asistente Profesor de Arte Crítico Intermedio en la Escuela de Medios Creativos, Universidad de la Ciudad de Hong Kong. Sus mentores incluyen Chan Hing-Yan y Paul Lansky. Young ha exhibido y actuado internacionalmente, incluyendo el Festival Internacional de Nueva Música de Sydney Springs (Australia 2001), el Festival Internacional de Música de Canberra (Australia 2008), ISCM World Music Days (Australia 2010), MONA FOMA Festival of Music and Art (2011), Microwave Festival Internacional de Arte de Nuevos Medios (HK 2004), entre muchos otros. En 2007, fue el primer artista de Hong Kong en ganar el Premio al artista emergente Bloomberg con su proyecto audiovisual The Happiest Hour.
A pesar de esta lista de éxitos in extremis, Young también es reflexivo y reflexivo, rasgos que se muestran en sus obras. His Machines for Making Nothing (2011-2014) es una colección de pequeños objetos electrónicos que, aparte de ser utilizados para jugar, no tienen ninguna función o significado en absoluto. Su existencia demuestra cómo la interactividad puede ser seductora o incluso adictiva y la obra explora "los placeres estéticos de la interacción hombre-máquina" en su nivel más básico. La Sonata para piano No. 1 - 14 de Beethoven (Senza Misura) consta de 47 circuitos de tablero de estilo abierto, que funcionan como metrónomos electrónicos. Cada uno de estos pequeños dispositivos marca y parpadea marcando el tempo de uno de los movimientos de la sonata.
Annie Wan
Annie Wan es una artista de nuevos medios de Hong Kong. Se graduó con una licenciatura en Medios Creativos de la Universidad de la Ciudad de Hong Kong en 2002 y una Maestría en Tecnología de la Información Aplicada (Arte y Tecnología) de la Universidad Tecnológica de Chalmers, Suecia, en 2005. En 2012, recibió un doctorado en Artes Digitales y Experimental Media de la Universidad de Washington, EE. UU. Actualmente es profesora asistente en la Escuela de Comunicación (Academia de Cine) de la Universidad Bautista de Hong Kong. Wan ha exhibido internacionalmente en festivales, eventos y exhibiciones, incluyendo Multimedia Art Asia Pacific Conference 2004 (Singapur), ZeroOne / ISEA 2006 (San José, Estados Unidos), el Pabellón francés en la 10a Bienal de Arquitectura de Venecia. En 2009 ganó el premio Finalista en los Asia Digital Art Awards 2009, Fukuoka, Japón.
Los trabajos de Annie Wan se centran principalmente en medios de localización, electrónica integrada y sistemas basados en redes. ¿Dónde está el pollo? (2008-2009) es una obra de arte pública de robótica locativa, apoyada por el Consejo de Desarrollo de las Artes de Hong Kong. El trabajo funciona como una representación narrativa, que se construye con la interacción del robot, su ubicación culturalmente específica y el público participante. Al incorporar la interacción pública, la narrativa colaborativa, el sistema de autómatas y la tecnología móvil, el trabajo es un autómata mecánico en forma de vida que no solo simula la realidad, sino que permite al público involucrarse con ella y alterar, transformar y torcer la percepción de dicha realidad. Al interactuar con la instalación, el público colabora en su desarrollo, así como en la continuación de la narrativa en torno a la actuación. El público también ayuda en la recopilación de un 'mapa de pollo de la ciudad' al compartir sus experiencias con el artista.
Shyu Ruey-Shiann
Shyu Ruey-Shiann (n. 1966, Taipei) se encuentra actualmente entre Taipei y Nueva York. Ha expuesto internacionalmente, como el Museo Nacional de Bellas Artes de Taiwán y el Museo de Arte Contemporáneo de Taipei, el Museo de Arte de Chelsea en Nueva York, el Centro de Artes de Hong Kong y el Instituto de Artes Contemporáneas de Perth en Australia, entre otros.
Shyu es conocido por crear esculturas mecánicas y cinéticas lanzadas en 1997, que utilizan la forma mecánica como un lenguaje abstracto que transmite sus ideas y sentimientos hacia la vida, los recuerdos y los problemas relacionados con el medio ambiente, la política y la sociedad. Sus obras mecánicamente complejas comprenden hasta miles de componentes diseñados y realizados por el propio artista, pero conservan una apariencia simple y dan una impresión de simplicidad.
One Kind of Behavior es su trabajo más reciente, una instalación pública al aire libre que ahora se exhibe en el Museo de Arte del Bronx en Nueva York hasta el 17 de agosto de 2014. La instalación comprende docenas de cubos de acero del mismo tamaño, dispersos en el piso de la terraza y ondulados. a su propio ritmo individual. El trabajo está inspirado en el movimiento cuasi mecánico de los cangrejos ermitaños, cuyos movimientos lentos contrastan con la velocidad a la que se mueve la sociedad contemporánea. El cangrejo ermitaño también usa conchas descartadas por otras especies y Shyu ve esto como una metáfora de nuestra condición humana. El artista nos pide que reflexionemos sobre nuestro entorno y las consecuencias de las acciones humanas en la naturaleza.
Akibo Lee
Akibo Lee (Li Ming-dao) es un artista taiwanés que se dedica al arte digital y la robótica. Es reconocido por su trabajo de diseño para la industria de la música pop en Taiwán. Ha expuesto extensamente en todo el mundo, incluso en Hong Kong, China, Taiwán, Singapur, Japón y Estados Unidos. Lee se involucra con el trabajo interdisciplinario y ha estado creando robots para una audiencia diversa, incluyendo marcas comerciales, artes visuales, artes escénicas y arte público.
Una de sus obras más conocidas en la esfera pública es BIGPOW, una instalación robótica que comprende un grupo de tres robots, uno grande y dos más pequeños. Juguetón y lindo en apariencia, los tres robots esconden un componente interactivo detrás de sus diseños aparentemente estáticos. Los robots son equipos de alta fidelidad metamorfoseados y el público puede conectarles sus dispositivos MP3 y compartir su música públicamente.
Expresando su amor por la música electrónica, Lee también ha creado dos robots bailarines, Ding y Lulubo. Ding es una criatura parecida a un pulpo con ocho patas y Lulubo es un robot femenino, con una forma hermosa. Los dos robots han "actuado" en salas de baile y teatro, en Hip Hop y ritmos electrónicos, así como "colaborado" con compañías de baile.
Por CA Xuan Mai Ardia
