La Washington Color School, un movimiento artístico basado en DC en los años 60, desafió las connotaciones del arte. Sus objetivos, y la rigurosidad de sus términos, siguen siendo ambiguos y objeto de un feroz debate. Pero el movimiento artístico fue definido y moldeado por seis artistas, que buscaron rechazar la proyección de emoción del artista dentro de la pintura. Querían devolver el arte a su forma más pura, con un enfoque en la luz y la forma, y la pintura de campo de color fue su respuesta.
Nueva York en la década de 1950 estaba dominada por artistas experimentales, y estaban en constante competencia entre ellos. La competencia lleva a la influencia, aunque sea sutil. Cuando el crítico de arte Clement Greenberg viajó de Nueva York a DC, fue sorprendido por el "genio incorrupto" de todo. "Puede mantenerse en contacto constante con la escena artística de Nueva York, sin estar sometido a sus presiones para conformarse", dijo.
Sin embargo, la ciudad de Washington ofreció a los artistas un lienzo en blanco, por lo que es algo irónico que los pintores escolares de color se definieran al dejar gran parte del lienzo en bruto, intacto y en blanco. No es que DC no tuviera una escena artística única, pero no era un colectivo: los artistas eran independientes entre sí. La resultante Escuela de Color de Washington no fue diferente.
Delta Theta © Morris Louis / WikiArt
Los seis artistas principales, Gene Davis, Thomas Downing, Morris Louis, Howard Mehring, Kenneth Noland y Paul Reed, se caracterizaron por sus tendencias de lobo solitario. La escuela era un término vago que nunca abrazaron con entusiasmo; la "escuela de color" era más un movimiento artístico vagamente conectado. No hay pruebas de que los seis hombres hayan estado en la misma habitación. El nombre solo se materializó después de que sus obras fueron colgadas en una galería de arte Dupont Circle ahora desaparecida comisariada por Gerald Noland; los llamó "los pintores de color de Washington", y la exhibición viajó a través del país, donde el nombre se popularizó.
Los artistas compartieron dos aspectos destacados: su tendencia a empapar lienzos de algodón en pintura acrílica para producir un efecto manchado, en lugar de pintar en la superficie del lienzo, y representar las manchas de color en patrones geométricos estrictamente definidos. Estaban obsesionados con el color y experimentaron con él en el lienzo.
La pintura de campo de color está marcada por grandes planos de color unidimensional, a menudo en formas rígidas y geométricas. El efecto resultante son planos planos de color ininterrumpido que se extienden por el lienzo. Al igual que otros abstraccionistas, en lugar de representar una imagen, los artistas del campo de color buscaron que el lienzo actuara como la imagen misma.
Los artistas involucrados habían experimentado con el movimiento del expresionismo abstracto de la década de 1950, marcado por los penúltimos íconos de vanguardia de Jackson Pollock y Andy Warhol, pero los pintores del campo de color colectivamente encontraron el expresionismo demasiado apasionado y demasiado complejo. Querían eliminar los aditivos innecesarios y crear arte en su forma más original.
Gene Davis, nativo de DC, es quizás el artista más conocido de la escuela de color. El Smithsonian American Art Museum abrió recientemente una exposición dedicada a él. Davis trató de difuminar el límite entre la pintura y la escultura, convirtiendo la primera en exhibiciones vivas. Su famoso Sendero de Franklin (1972) se extendía 414 pies antes del Museo de Arte de Filadelfia.
El sendero de Franklin © Gene Davis / WikiArt
También estaba Paul Reed, que agotó la experimentación con el color en el lienzo lo suficiente como para buscar nuevas superficies. Le preocupaba la relación entre una pintura y la pared de la que cuelga: simplista, pero profunda.
Marmara, 1970 © Paul Reed / WikiArt
En 2007, un esfuerzo concertado entre museos y galerías revivió el interés de los lugareños por la pintura de campo en color. Los curadores de arte lanzaron el Washington Color School Project, para investigar y reunir pinturas de las figuras prominentes del movimiento, a fin de establecer una colección coherente y consolidar su lugar en la historia. Si bien conectado, con diferentes intenciones, el movimiento fue histórico, y DC proporcionó el lienzo perfecto. Los críticos especulan que el extraño patrón de tráfico de DC, marcado por círculos y cuadrículas extrañamente alineadas, inspiró las formas que se convertirían en leyenda.
