A medida que nos adentramos en el mundo moderno, es importante reflexionar sobre el arte y la cultura de un pueblo que proviene de una América antes de nuestro tiempo. La historia de los nativos americanos es un reflejo de las luchas personales, éticas y sociales. En honor al Centro de Arte y Cultura de Séneca en el sitio histórico del estado de Ganondagan, una vez destruido en Victor, Nueva York, aquí hay 13 artistas nativos americanos que debes conocer.
Arte de los nativos americanos del noroeste del Pacífico © Ed Bierman / Flickr
Nampeyo
Reconocido a la edad de 20 años como uno de los mejores alfareros Hopi, Nampeyo ('serpiente que no muerde') perfeccionó el arte aprendido por su abuela al usar tiestos reciclados como material base. Su cerámica finamente construida exhibió un estilo, precisión y durabilidad que pocos pueden recrear. Nampeyo es conocido por los diseños que presentan una técnica conocida como policromía, que es el uso de muchos colores brillantes y vibrantes como rojos, marrones, amarillos y negros profundos, pintados con una hoja de yuca masticada. Su cerámica tenía un motivo intrincado y natural usando figuras geométricas combinadas con imágenes de animales y caras, luego inmortalizadas mediante una técnica de disparo que data del siglo XV.
Ernie Pepion
La historia personal de Ernie Pepion y su triunfo sobre la adversidad es al menos tan magnífico como su arte. Como miembro de la tribu Blackfeet, Ernie Pepion pasó la mayor parte de su vida como ganadero y jinete de rodeo. Sirvió varios turnos de servicio en Vietnam, pero desafortunadamente en 1971 estuvo involucrado en un accidente automovilístico grave, que lo relegó a una silla de ruedas como tetrapléjico. Mientras se recuperaba en un hospital, otro paciente le enseñó a pintar con un caballete motorizado y un aparato ortopédico para su mano y antebrazo. Sirviendo de inspiración para superar los desafíos físicos, Ernie Pepion fue objeto de un documental llamado Ernie Pepion: The Art of Healing.
El indio © griannan / Flickr
Ma-Pe-Wi (Oriole)
Pocos saben que el trabajo de Ma-Pe-Wi es visto casi todos los días por muchos estadounidenses en todo el país. Originaria de la tribu Zia Pueblo de Santa Fe, Nuevo México, Ma-Pe-Wi Velina Shije Herrera no recibió capacitación formal en arte, pero pudo convertirse en uno de los pintores más prolíficos del siglo XX. Sus diseños abstractos a menudo capturan representaciones de la vida cotidiana de los pueblos y danzas ceremoniales. Ma-Pe-Wi también es conocido por su uso de la leachina, que es un espíritu de las cosas en el mundo real profundamente arraigado en la cultura del pueblo. Aunque inicialmente fue criticado por su propia tribu, Wi dio permiso al estado de Nuevo México para usar su recreación del sol Zia, que ahora adorna la bandera del estado.
Salmoncillo
Aunque en la superficie sus impresiones pueden parecer bastante simplistas, los diseños de Parr no solo expresan la esencia misma de la cultura inuit canadiense, sino que son una transformación de su propia vida en arte. Parr vivió nómada la mayor parte de su vida, y su trabajo refleja el equilibrio del movimiento entre el hombre y la naturaleza. Estos diseños distintivos resaltan escenas que simbolizan el sustento de la vida a través de la caza, la pesca y el hombre contra los elementos. El trabajo de Parr también tiene una calidad espiritual reflejada en su uso de antiguos temas chamánicos. Su trabajo Hunters of Old fue finalmente inmortalizado en un sello canadiense de 1977.
Lucy M. Lewis
A menudo descrita como el Pablo Picasso de la cerámica, Lucy M. Lewis comenzó a hacer cerámica a la edad de ocho años desde su casa en Acoma, Nuevo México. Su uso de líneas finas muestra un equilibrio distintivo de artesanía, precisión y simetría. A pesar de su habilidad y destreza artística, Lewis no tenía educación formal y era en gran medida autodidacta. Fue invitada a la Casa Blanca en 1977 y mantiene una colección permanente en el Museo Smithsonian de Washington DC A lo largo de su vida y su trabajo, Lewis recibió varios premios distinguidos, incluido el Premio del Gobernador de Nuevo México por su destacada contribución personal y el reconocimiento de American Crafts Asociación de Arte del Consejo Universitario.
Colección de aproximadamente 25 piezas de cerámica de los indios pueblo de (?) La colección del reverendo Dr. George Cole, ca.1900 (CHS-2668) © Ashley Van Haeften / Flickr
Kananginak Pootoogook
Kananginak Pootoogook fue un hombre verdaderamente entre los elementos de la naturaleza. A pesar de ser un escultor y grabador de tinta del siglo XX, vivió la mayor parte de su vida viajando de iglús en invierno a casas de césped en verano. Como artista autodidacta, su trabajo a menudo reconoce la transición de la vida tradicional de los nativos americanos a la existencia moderna. El trabajo de Pootoogook también muestra una clara unidad y aprecio por el vínculo entre el hombre y la naturaleza. Sus huellas reflejan animales que imitan cualidades similares a las de los humanos, y viceversa, que muestran la igualdad de coexistencia entre el hombre y la bestia. Entre muchos otros honores, una exhibición de su trabajo se exhibió en los Juegos Olímpicos de Invierno de Vancouver 2010.
Bob Haozous
El más famoso Bob Haozous señala que "el hombre no está separado de la naturaleza, sino que es parte de ella". El trabajo de Haozous presenta un desafío a la filosofía occidental que supera el pensamiento nativo. Aunque sirvió en la marina en el USS Frank Knox en Vietnam, Bob Haozous nunca olvidó sus orígenes apaches en su lucha contra el racismo y la marginación de los nativos americanos. Tan fuerte como fue su convicción, su trabajo también refleja una visión humorística de las opiniones sociales y ambientales. Las pinturas y esculturas de Bob Haozous se pueden ver a nivel nacional e internacional en lugares como el Memorial del Holocausto Apache en Dartmouth College y el Museo Estatal West Phalian en Alemania.
Arte de los nativos americanos del noroeste del Pacífico © Ed Bierman / Flickr
Juane Quick-to-Sea Smith
El distintivo arte de técnica mixta de Juane Quick-to-Sea Smith es una encarnación de su cultura nativa americana y su infancia problemática. Abandonada por su madre, Smith conecta sus desafíos personales con el desafío de superar los mitos y estereotipos de los nativos americanos. Cada una de sus mezclas únicas de pintura, imágenes y texto cuenta una historia individual de adversidad personal y la necesidad de romper el status quo. Su trabajo es ampliamente visto en el Smithsonian en Washington DC, el Museo Whitney y el Museo de Arte Moderno. Entre los muchos honores de Smith se encuentra su Lifetime Achievement Award del Women's Caucus for the Arts.
Calvin Hunt
Sus poderosas y sorprendentes tallas de madera le dan al espectador una perspectiva profunda de la cultura Kwakwakawakw del noroeste del Pacífico de Canadá. Los tótems, las máscaras y los trajes de baile tallados a mano de Calvin Hunt están esculpidos en cedro rojo. Su uso de vívidas pinturas rojas y azules da vida a sus representaciones de animales y hombres con un nivel inconfundible de realismo e imágenes poderosas. El trabajo de Calvin Hunt está destinado a mostrar al mundo a través de una unificación simbólica de animales y leyendas. Tan fuerte y directo es su notable trabajo que posee su propia galería en la Royal Academy of Arts en Columbia Británica.
Julia Jumbo
Considerada ampliamente como una de las mejores tejedoras de tapices navajos que jamás haya existido, Julia Jumbo es conocida por sus intrincados diseños junto con el más alto nivel de precisión. Jumbo es mejor reconocida por su uso del borde 'margarita', que se deriva de una tejedora legendaria llamada Daisy Taugelchee. Sus tapices están finamente diseñados con el uso de líneas rectas y patrones simétricos, rodeados de llamativos bordes sólidos de blanco y negro. Ella utilizó su talento para tejer como un medio para superar las luchas de su infancia, así como un reflejo del orden personal y social.
Arte nativo americano © PublicDomainPictures / WikiCommons
Jane Ash Poitras
Ella ciertamente tiene un fondo único de hecho. Jane Ash Poitras fue originalmente entrenada para ser microbióloga, pero sintió que su verdadera vocación era como artista y pintora de medios mixtos. Como parte del movimiento Dada (vanguardia de principios del siglo XX), Poitras buscó su fuerza para representar los orígenes de su ascendencia Cree (el grupo más grande de nativos americanos). Su trabajo es mejor conocido por sus imágenes prolíficas de símbolos sagrados de los nativos americanos como el águila. Sin embargo, como cristiana, su trabajo también contiene un fuerte elemento espiritual que es evidente en Jesús, María y José. El arte de Poitras a menudo se ve como un desafío a la asimilación forzada de la cultura aborigen.
Faye HeavyShield
Con una combinación de espiritualidad y feminismo, Faye HeavyShield se convirtió en uno de los principales artistas de instalación de este siglo. Originaria de Alberta, Canadá, es famosa por su transformación de la percepción del área y el espacio a través del uso repetitivo de objetos. El simbolismo utilizado como caracterizaciones del poder de las mujeres en la cultura moderna la llevó a la vanguardia del movimiento feminista canadiense. El uso del color por parte de Faye HeavyShield le da a su trabajo una poderosa calidad humanista, y su espiritualismo se refleja en su uso recurrente de la espinilla (tocado que usan las monjas), como tema de la conexión de las mujeres con Dios.
